Inmitten des Lockdowns kredenzen The New Madness wohltuende „After Hours“

The New Madness

Das aus Dänemark stammende Kollektiv The New Madness legt mit „After Hours“ nicht nur ihr Debüt vor, sondern auch den Beweis, das Rock Musik noch lange nicht tot ist.

Foto: Sren Solkr

Natürlich war früher alles besser. Egal, ob man The Rolling Stones, The Beatles, Led Zeppelin, Aerosmith und wie sie alle heißen mögen bereits zu ihren Demo-Zeiten oder zumindest in ihrer Prime erlebt hat oder nicht, ist es beinah ein Naturgesetz zu insistieren, dass den alten Heroen nie wieder jemand das Wasser reichen wird können. Und bis zu einem gewissen Grad geht man freilich auch recht mit der Annahme, denn in den Sechzigern und Siebzigern konnte der Rock’n’Roll noch ungestüm wüten, seinen Sexappeal ungezügelt ausleben, bevor ihm die Punks mit hedonistischer Brutalität die Testikel abschnitten: Der Rock mutiert, zerfasert in immer neue Unterkategorien. Es wird unübersichtlich, die Kanten werden abgeschliffen, der Blues zum Feind, das Größer zur Maxime und das Radio zum Ziel. Doch alles kommt wieder: Während die Charts heute von sterilen Hip-Hop-Features dominiert werden, erwacht auf einer Phase der klugscheißenden, protorockenden The-Bands fußend seit gut einem Jahrzehnt auch wieder das Bedürfnis nach handgemachter, bodenständiger, erdiger Musik – und das nicht nur mit einem Schielen auf die Spätwerke der einstigen Rock-Heroen. So diverse Künstler wie The Answer, Wolfmother, Vintage Caravan, Hexvessel, Black Stone Cherry, Kadavar, Uncle Acid & The Deadbeats und zuletzt Greta Van Fleet arbeiten mit Inbrunst daran, schrillen Gesang, geloppierenden Rhythmus, erhabene Melodien und schweren Groove wieder salonfähig zu machen. In diese ehrwürdige Riege schließen wir, mit ihrem vergangenen Freitag erschienenen Debüt „After Hours“, nun auch das dänischstämmige Kollektiv The New Madness mit ein. Wir haben uns mit Bandkopf Bjarke Sorensen unterhalten.

Die naheliegendste Frage zu Beginn: Die ganze Welt befindet sich inmitten der Corona-Krise. Welche Auswirkungen hat die Pandemie auf euch?

Offensichtlich ist die Live-Szene ziemlich tot, daher ist unser Drang, live zu spielen, am Rande des Unerträglichen! Wir versuchen, es als Gelegenheit zu sehen, neues Material zu schreiben und unser Handwerk zu verbessern. Es ist aber auf jeden Fall eine Herausforderung, besonders wenn die Zeit vergeht und die widrige Situation noch länger bestehen bleibt.

Ein großes Problem auf der ganzen Welt ist die Unterstützung kulturschaffender Menschen – Menschen, die normalerweise nicht wie „normale“ Arbeitnehmer geschützt sind. Wie geht Dänemark in dieser Krise mit dem Kultursektor um?

Als in Berlin lebender Künstler habe ich natürlich stärkere Bezüge zum deutschen System, aber ich denke, dass der Ansatz ziemlich ähnlich ist. Ich vermute, dass 2021 für viele Kreative ein schwieriges Jahr wird, da Lizenzgebühren, ein Einkommen, auf das sich viele verlassen, mit einer Verzögerung von x Monaten ausgezahlt werden. Daher wird es nächstes Jahr noch deutlicher sein, in wie schwierigen Zeiten wir uns tatsächlich gerade befinden, als ob die Krise im Livesektor nicht schon genug wäre. Ich kann nur hoffen, dass der Kultursektor auf Verständnis stößt.

Zahlreiche Künstler haben ihre Neuerscheinungen verschoben, da es nicht möglich ist, sie live zu präsentieren. Wie hast du dich entschieden, ob oder ob nicht „After Hours“ jetzt veröffentlicht wird – zumal Rock insgesamt ein Live-Erlebnis ist?

Gute Frage. Es sind keine idealen Umstände, aber gleichzeitig mussten diese Songs herauskommen, um den Reset-Knopf zu drücken und ein Bild davon zu bekommen, wie The New Madness in Zukunft klingen wird, um Platz für neue Songs zu schaffen. Es fühlte sich wichtiger an, es einzuwickeln, als länger zu warten.

Bjarke, du lebst seit zwei Jahren in Berlin – in Deutschland der Schmelztiegel der Kreativen. Wie erlebst du die Krise in Deutschland?

Deutschland reagierte schnell mit finanzieller Unterstützung, um Einkommensverluste für Bedürftige auszugleichen, und das hielt viele Kreative in einer kritischen Phase im Frühjahr über Wasser, als das Virus auftrat und wir dachten, es würde in wenigen Wochen verschwinden. Wie bereits erwähnt, mache ich mir Sorgen um die Zukunft, wenn sich die Situation fortsetzt. Die steigenden Coronazahlen in diesem Herbst machen offensichtlich, dass die Situation noch länger anhalten wird – und daraus werden natürlich auch finanzielle Konsequenzen folgen müssen. Die Stimmung ist jedenfalls düster.

Es fällt auf, dass Berlin seit Jahrzehnten eine Oase für Künstler ist – Stichwort Iggy Pop, David Bowie, Lou Reed – aber kaum einen eigenen und einzigartigen Stil entwickelt hat – eher wie The New Madness klanglich nach Großbritannien oder sogar die USA tendiert. Welchen Einfluss hat die Umwelt auf dich, wo siehst du die Unterschiede zwischen deiner in Dänemark geschriebenen Musik und der in Deutschland geschriebenen?

Ehrlich gesagt hat die Umgebung in Berlin meinen Sound aus musikalischer Sicht nicht wirklich beeinflusst. Ich sollte überhaupt viel mehr neue Musik hören – in vielerlei Hinsicht fühlt sich The New Madness wie ein Schmelztiegel meiner Rockhelden aus meiner Kindheit an, die mit einigen späteren Entdeckungen und vielen Rock-fremden Genres vermischt sind. Ich habe immer alle Arten von Musik gehört. Ich habe mich auch nie bewusst dafür entschieden, nur US/UK-Rock zu hören. Es war einfach das, was als Kind meistens in dänischen Plattenläden erhältlich war. Natürlich zusammen mit einigen lokalen Acts …

Textlich allerdings habe ich das Bedürfnis verspürt, auszudrücken, was ich in den letzten Jahren so durchgemacht habe – vor allem eben meinen Umzug in ein neues Land, mit all der Aufregung aber auch den Nachteilen, die damit einhergehen.

Ich persönlich sehe The New Madness zwischen den großen Namen Led Zeppelin und The Black Keys oszillieren – mit einem organischen Sound, der euphorisiert. Was ich aber nicht gefunden habe, ist ein herausragender Hit. Bitte das jedoch nicht als Kritik zu sehen – im Gegenteil! Das Album, insbesondere für ein Debüt, arbeitet im Allgemeinen auf hohem Niveau und ich frage mich, ob es eine bewusste Entscheidung war, auf eine Überhit-Single zu verzichten, um nicht als One-Hit-Wonder wahrgenommen zu werden.

Vielen Dank für die freundlichen Worte. Ich würde natürlich wie jeder andere Musiker auch gerne den einen großen Hit schreiben, aber es sollte nicht das primäre Ziel sein. Es nimmt dir den Fokus vom sehr unterhaltsamen Prozess, der das Schreiben eines Songs sein kann. Ich liebe Hooks, gleichzeitig glaube ich, dass es eine feine Linie zwischen eingängig und nervig gibt, die ich nicht zu überschreiten versuche. Das erklärt wahrscheinlich, was dich zur Frage zum fehlenden „Überhit“ verleitet hat.

Auch. Aber der Hauptgrund ist eigentlich jener: In der Spotify-Generation sind Big-Hit-Singles unvermeidlich, ein Album als solches wird hier oft nicht wirklich bemerkt. Trotzdem denke ich, dass du ein rund komponiertes Album präsentiert hast, das von der ersten bis zur letzten Note einem roten Faden folgt. Wie einfach ist es für dich, die einzelnen Songs zu einem Album zusammenzufassen?

Ich bin wirklich froh, das zu hören – und um deine Frage zu beantworten: Es gab tatäschlich viele Überlegungen und Optimierungen, wie die Songs letztlich tatsächlich am besten zusammenpassen. Ich habe keine 100 unvollendeten Songs auf meinem Computer, sondern als wir die ersten vier oder fünf Singles veröffentlicht hatten, diskutierten das Label und ich über ein Album und der Rest der Songs wurde in diesen Kontext gestellt. Also wusste ich irgendwie, wohin die Dinge gingen und konnte die Lücken zwischen den Singles schließen, was sich schließlich wie ein komplettes Werk anfühlte. Aber ja, vielleicht verstoße ich mit meiner kreativen Reise gegen aktuelle algorithmische Streaming-Trends und bin überhaupt 10 Jahre zu spät dran, aber ich bin auf das Endergebnis trotzdem stolz!

In einem Interview hast du gesagt, dass jedes Lied aus einer bestimmten Melodie in deinem Kopf entwächst – und entweder während des kreativen Prozesses sich zu einem ganzen Song entwickelt, oder eben nicht. Wie wichtig ist der Faktor, dass der Song nicht nur auf Schallplatte funktioniert, sondern auch vor Publikum, mit einigen eingängigen Refrains oder Passagen zum Mitsingen oder Mitklatschen? Oder anders ausgedrückt: Hast du im kreativen Prozess ein theoretisches Publikum im Hinterkopf?

Ich bin im Allgemeinen ungeduldig, auch als Musiker. Ich muss unterhalten werden, egal ob ich etwas selbst erschaffe oder nur zuhöre, und ich denke, es ist die gleiche Art von Unterhaltung, die unsere Zielgruppe sucht. Ich bin verrückt nach Hooks, das war schon immer so, und es ist keine Schande, das zuzugeben.

Wenn ich also das Gefühl habe, dass jeder Sekunde eines Songs einen Zweck verfolgt und mir nicht langweilig wird, dann glaube ich, dass er auch live vor unserem Publikum funktionieren wird.

The New Madness sind jetzt eine (internationale) Band, früher dein Soloprojekt: Hat der Einfluss deiner Kollegen auch die Stücke verändert, die du zuvor solo geschrieben und gespielt hast?

Die Songs leben irgendwie zwei Leben. Eines im Studio, wo sie von mir aufgenommen wurden, und ein zweites, wenn sie diesen Test bestanden haben und in den Proberaum mitgenommen werden, wo die anderen Mitglieder ihre eigenen Spielstile und (meistens) gute Ideen einbringen können.

Also ja, sie halten es definitiv frisch und aufregend und beeinflussen, wie wir mit dem Material, das wir haben, ein großartiges Live-Erlebnis schaffen, das Gitarrensolo hier erweitern, dort eine Killertrommel füllen lassen und so weiter.

Wir haben bereits über den „Geist Berlins“ gesprochen – deine Mitstreiter kommen aus Deutschland, Kanada und Frankreich. Würdest du Ländern generell eine eigene Note attestieren, oder verschwindet die Herkunft heutzutage?

Ich denke nicht mehr wirklich darüber nach, also verschwindet es für mich. Wir alle in der Band hören ähnliche Musik, und ich denke, Streaming und Playlists „internationalisieren“ Musik generell.

Würdest du The New Madness eine Demokratie oder eine „gemäßigte Diktatur“ nennen?

Ich würde es eine ausgewachsene Diktatur nennen (lacht). Nein, die Prämisse ist seit Tag 1 dieselbe: Ich bin der Autor und Produzent und ich bringe die Songs ins Spiel, mit denen wir aber alle arbeiten können. Das heißt, wenn einer von ihnen eine Killeridee bringt, bin ich ganz Ohr.

The New Madness haben ihre Wurzeln in Old School Blues und Garage Rock, Musik, die man am besten auf Vinyl genießen kann. Was ist deine Lieblingsmethode, um Musik zu kaufen und zu konsumieren?

Ich verkleinere und beschränke im Allgemeinen die Anzahl der Dinge, die ich besitze. Daher hat eine Sammlung physischer Datensätze zumindest im Moment keine Priorität. Musik, die mir gut gefällt, kaufe ich digital, aber meistens streame ich nur, um ehrlich zu sein.

Warum hast du Moog-Synthesizer auf dem Album anstelle eines Basses?

Erstens, um auffallen und eine breitere Klangpalette haben und zweitens, um in der Lage zu sein, ein massiveres Low-End zu erzeugen, das mit einem traditionellen Bass schwer zu erreichen wäre, ohne dass es komisch klingt. Als ich dieses Projekt startete, besaß ich auch keinen E-Bass. Es war genau das Richtige, als der Moog vorgestellt wurde.

Einige Leute neigen dazu zu sagen, Rock sei tot. Andere wiederum sagen, Rock wird niemals sterben – und zumindest AC/DC haben erst kürzlich bewiesen, dass zumindest sie noch nicht abzuschreiben sind. Andere beklagen, dass neuen Rockbands der ausgelassene Charme der Siebziger fehlt. Wo verortest du Rockmusik und insbesondere The New Madness heute?

Rock muss sich weiterentwickeln. Alle großartigen Songs, die in den siebziger Jahren geschrieben wurden, sind immer noch hier und werden jeden Tag von Millionen genossen. Unsere Aufgabe ist es also, herauszufinden, wie wir uns einen eigenen Namen machen und relevant bleiben können.

Ich würde niemals behaupten, dass wir irgendwo in der Nähe einer Rockrevolution sind, es ist auch nicht mein erklärtes Ziel, sondern allein ein natürlicher Fortschritt im Laufe der Zeit. Diese natürliche Entwicklung ist aber etwas, über das wir selbstverständlich nachgedacht haben, und es ist einer der Gründe, warum der Moog einen festen Platz in unserem Line-up bekam – allein, weil er ein bisschen gegen den Strom schwimmt, wenn man von „Garage Rock“ spricht, und das gefällt mir.

Ich glaube auch, dass es kollektiver Anstrengungen und einem Hauch von gesundem Wettbewerb bedarf, um an die Spitze der Populärmusik zu gelangen. Es wäre großartig, wenn der Rock mit neu gewonnener Kraft wieder in Topform wäre, so wie früher einmal.

Normalerweise steht die Musik vor den Texten. Gilt das auch für The New Madness? Wie wichtig ist dir die Botschaft hinter den Texten? Einige von fühlen sich persönlich und intensiv an – sowohl melancholisch als auch erhebend …

Zu 90 Prozent steht die Melodie vorm Text. Aber ein paar Mal war es dann doch umgekehrt, zum Beispiel bei „Recess, Brother“, in dem es darum geht, ein Zuhause zu vermissen und alte Freunde, die dich wirklich gut kennen.

Auf „After Hours“ finden wir auch den Track „New Madness“. Ursprünglich hieß deine Band The Dead-On, bevor du sie in The New Madness geändert hast. Inwieweit verkörpert dich ein „neuer Wahnsinn“?

In diesem Song geht es darum, Normen und Erwartungen den Mittelfinger zu zeigen – ähnlich wie auch das ganze Album. Er spricht sich gegen die Sackgasse des typischen 9-to-5-Jobs aus und erzählt vom Risiko, den besorgten Eltern klarmachen zu müssen, dass man nun Musiker wird. Er erzählt von Monaten, in denen nur Haferbrei gegessen wird, weil man daran glaubt, zu etwas Höherem bestimmt zu sein, Spaß am Leben zu haben. Aber es geht auch darum, Kontrolle über die begrenzte Zeit seines Lebens zu erlangen.

Kürzlich hat mich jemand auf Dänisch als „Fantast“ bezeichnet, als jemand, der zwischen Realität und Träumen schwebt. Ich nahm es als Kompliment, obwohl es sich wie eine mentale Erkrankung anhört. Ein neuer Wahnsinn vielleicht?

Eine Sache, die ich an moderner (Pop-) Musik gar nicht leiden kann, ist, dass jeder Features auf seinen Platten haben muss, ein Namedropping, das selten künstlerisch guttut. Welchen Gast würdest du auf der nächsten Platte begrüßen wollen? Und was erwartest du von einem Gast, um deinen Sound zu verbessern?

Lenny Kravitz, wenn er nett fragte (lacht). Er ist einfach nur badass, das wäre echt ein Traum für mich. Oder Dorothy, ich glaube, wir zwei würden uns hervorragend ergänzen. Allerdings halte ich die Erwartungshaltungen bewusst niedrig: Wenn ich die Möglichkeit hätte, mit begabten Künstlern zusammenzuarbeiten, würde es in erster Linie darum gehen, den Ball in die Luft zu werfen, ohne zu wissen, wo er landet.

„After Hours“ von The New Madness ist am 27. November erschienen und im gut sortierten Fachhandel sowie den gängigen Streamingplattformen verfügbar.

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